Deux prix d'excellence curatoriale: Helen Molesworth et HUO.

Après Catherine David en 2008, Okwui Enwezor en 2009 et Lucy Lippard l'an dernier, le Center for Curatorial Studies at Bard College, par la voie d'un jury international et indépendant, récompense cette année Helen Molesworth, aujourd'hui conservatrice en chef à l'ICA de Boston et Hans-Ulrich Obrist, actuellement co-directeur des expositions et programmes et directeur des programmes internationaux de la Serpentine Gallery de Londres. Ces "oscars" spécifiques au commissariat d'expositions ont récompensé Harald Szeemann, pour le premier en 1998, Marcia Tucker (1999), Kasper König (2000), Paul Schimmel (2001), Suzanne Ghez (2002), Kynaston McShine (2003), Walter Hopps (2004), Kathy Halbreich et Mari Carmen Ramírez (2005), Lynne Cooke et Vasif Kortun (2006) ainsi qu' Alanna Heiss (2007), pour leurs contributions à la façon dont on fait les expositions. LBV est ravie.

Séminaire "Something You Should Know" : 2 mars Darius Mikšys

ÉCOLE DES HAUTES ÉTUDES EN SCIENCES SOCIALES (Cespra)
FONDATION MAISON DES SCIENCES DE L’HOMME

SOMETHING YOU SHOULD KNOW: ARTISTES ET PRODUCTEURS AUJOURD'HUI  

Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici, Hans-Ulrich Obrist et Natasa Petresin-Bachelez
Mercredi 2 mars à 19H

Darius Mikšys
De 19H à 21H, À LA MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006
(métro Odéon ou Saint – Michel)

Darius Mikšys est né en 1969 à Kaunas, Lituanie. Ses projets vont de la  documentation vidéo d’une visite à la Foire de Parapsychologie au Palaisdes Sports de Vilnius, à la tentative de produire un linceul pour Gilles
Peterson, vendre une bouteille vide de parfum sur e-bay, proposer un musée ABBA dans un avion de ligne Qantas sur l’aéroport Tempelhof de Berlin, créer un corpus de sculptures intitulé « My Jeff Koons » et installer le tout premier club lituanien de cricket, nommé "Abdul Aziz's Holiday IX". "Behind the White Curtain » (Derrière le rideau blanc) a été choisi pour représenter la Lituani eà la 54è Biennale de Venise à partir de Juin 2011.

Parmi ses expositions, rencontres, performances textuelles récentes, on trouve : “Where is your piece, dude?”, If it's Part Broke - Half Fix it, CAC,Vilnius (2011), “What prolonged life might feel like?”, BAC, Visby,  Sweden
(2010), "On lemon energized vampires," Formcontent, London (2010), "The copy",Manifesta 8, Murcia, Spain (2010), “Persuasion of Paul”, X Baltic Triennial, Contemporary Art Centre, Vilnius (2009), "How to know if the things you like are really nice?", text performance at "Structures of nothing", un workshop-événement aux Sutro Baths, San Francisco (2009), "Artist's Parents Meeting," Performa 09, New York (2009), "On delay and delaying", the lecture-performance at CAC, Vilnius (2008), "Artist's Parents Meeting", Biennale of Sydney 2008, Sydney (2008), "How to simulate eye contact?", Gasworks, London (2007), "An entangled particle of myself who plays in front of mirror being invisible", Biennale de Lyon (2007), "The wedding party of Neringa and Marius", Looking for Mr. Fluxus: In the Footsteps of George Maciunas, ArtIn General, New York (2001), entre autres.
Something you should know
Programmation et prochains rendez-vous par abonnement à la newsletter somethingyoushouldknow-request@ehess.fr
EHESS : Nicolette Delanne, delanne@ehess.fr
Cespra, 105 bd Raspail, 75006, Paris
tél: 01 53 63 51 38
Le séminaire "Something you should know: Artistes et producteurs aujourd'hui" est soutenu par la fondation FABA

Inculte et Macho (artpress)

Dans le dernier numéro d'artpress, Dominique Paîni libelle ainsi un bout de sa notule sur une exposition au Bal:  "la seconde découverte est le cinéma étrange de Sadie Benning (en italiques, le "étrange". Rien à voir avec "queer"  le terme français désexualisant l'anglo-saxon). Vient la suite : "En tant que fille du cinéaste expérimental James Benning (ben voyons! Toujours la même façon de parler des artistes femmes (de) ou filles (de)),  Sadie (un prénom, donc) méritait donc à double titre (sic!) d'être présentée avec ses films "amateurs" dont les masques..;" On arrête tout! Amateurs, et puis quoi encore!!!!  Depuis près de vingt ans qu'elle présente ses travaux, Sadie Benning reste "amateure". Dès 1993, elle était présente à la Biennale du Whitney et au MoMA de New York. Puis Sadie Benning a reçu nombre de bourses; elle a fait nombre d'expositions, non seulement de ses films mais également de ses peintures et ses animations, a formé le groupe culte "Le Tigre" (et en est partie). Elle enseigne aujourd'hui au sein du très respecté Bard College, et elle a eu une exposition rétrospective au Wexner art Center, célébrée également au sein de la mythique galerie Orchard . LBV est très colère.

A lire: Tacita Dean,"sauver le 16mm " et signer la pétition.

 Tacita Dean behind the camera Film image is different from digital … Tacita Dean. Photograph: Nick Macrae/The Artist/Frith Street Gallery

La décision de fermer le dernier laboratoire au Royaume-Uni qui traite le film 16mm,  à l'annonce de laquelle Tacita Dean a réagi dans le Guardian (cf ci-dessous), a également suscité une pétition  online, demandant aux nouveaux propriétaires de sursoir à cette décision. Il suffit de signer à l'adresse : www.gopetition.com/petition/43288.html

Et voici l'article de Tacita Dean

Save celluloid, for art's sake

When Tacita Dean went to make a 16mm film for Tate Modern she was shocked to find the lab had stopped using it. Why can't digital and celluloid coexist, she asks

Tacita Deanguardian.co.uk, Tuesday 22 February 2011 21.46 GMT

On Tuesday last week, the staff at Soho Film Laboratory were told by their new owners, Deluxe, that they were stopping the printing of 16mm film, effective immediately. Len Thornton, who looks after 16mm, was told he could take no new orders. That was it: medium eviction without notice. This news will devastate my working life and that of many others, and means that I will have to take the production of my work for Tate Modern's Turbine Hall commission out of Britain.

Soho Film Lab was the last professional lab to be printing 16mm in the UK. In recent years, as 16mm has grown as a medium for artists, the lab has been inundated with work, both from this country and abroad. Contrary to what people imagine, it is a growing and captive market, albeit a small one, with a new generation of younger artists turning to analogue technologies to make and show their work: Thornton says he handles work from more than 170 artists. Then there's the effect that this will have on the BFI and their conservation of the many thousands of reels of Movietone news footage, television, documentaries, features and much else.

These last few days have been like having my bag stolen and remembering, bit by bit, what I had inside it. My relationship with the lab is an intimate one; they watch over my work, and are, in a sense, its protectors. I have made more than 40 films, and each one has several internegatives (a copy of the original negative). In the vaults of Soho Film Lab are racks packed high with cans containing my life's work to date, including the negatives of films I never made. I order countless prints each year, as projecting my films on loop systems in museums and galleries inevitably means that they become scratched and exhausted. Thornton and his colleagues know the titles of all these films, and when I make a new film, I turn up at the lab and grade every colour in every scene. Film is chemistry: chemistry that has produced the miracle of the moving image. Decades of knowledge, skill and experience have gone into my saying, "I think that shot is too green, but the next one is too pink."

Deluxe (who responded that they have "nothing to say at this time") are, admittedly, ending only one tiny part of an ongoing process: they will not stop processing 16mm negative, and will continue to process and print 35mm. It is not as though they are giving up the chemicals and going dry. But they are stopping 16mm print because the cinema industry does not need it any more, and it is they who run the labs and are dictating that movies go digital and celluloid be phased out. Printing 16mm is an irritant to them, as it is time away from printing feature films, and features are the industry and all that matters. Pitched against this, art is voiceless and insignificant. My films are depictions of their subject and therefore closer to painting than they are to narrative cinema. I shoot on negative that is then taken to the lab, in much the same way you used to drop your photos off to be developed. The 16mm print I get back is called the rush print. The negative stays in the lab. Working alone on a cutting table over many weeks, I cut my film out of the rush print. Using tape, I stick the shots together, working as both artist and artisan. It is the heart of my process, and the way I form the film is intrinsically bound up with these solitary hours of watching, spooling and splicing.

When I have finished, I take my reel of taped film, now called my cutting copy, to a negative cutter, who cuts the original negative and delivers it to the lab, which then prints it as a film. My relationship to film begins at that moment of shooting, and ends in the moment of projection. Along the way, there are several stages of magical transformation that imbue the work with varying layers of intensity. This is why the film image is different from the digital image: it is not only emulsion versus pixels, or light versus electronics but something deeper – something to do with poetry.

Many of us are exhausted from grieving over the dismantling of analogue technologies. Digital is not better than analogue, but different. What we are asking for is co-existence: that analogue film might be allowed to remain an option for those who want it, and for the ascendency of one not to have to mean the extinguishing of the other.

The real crux of the difference is that artists exhibit, and so care about the final presentation and presence of the artwork in the space. Other professions have their work mediated into different formats: TV, magazines, billboards, books. It remains only in galleries and museums that the physical encounter is so critical, which is why artists, in the widest sense, are the most distressed by the obsolescence of analogue mediums. But it is also in these spaces that a younger generation born in the digital age are taking up analogue mediums in enormous numbers. At the recent Berlin art fair, 16mm film projections outnumbered digital projections by two to one.

The decision to end 16mm print at Soho Film Lab, newly named Deluxe Soho, seems to be worldwide policy (they have already ended 16mm printing in their labs in New York and Toronto), so it is unlikely we will be able to reverse the decision locally. I spent my weekend writing to Martin Scorsese and Steven Spielberg, who are both understood to care about celluloid film, even 16mm. I am also trying to make contact through the Guggenheim with the US owner of Deluxe, Ron Perelman, who, as a patron of the arts, might not have understood the devastating impact this presumably financially negligible decision might have on a growing group of contemporary artists, the galleries and museums that show them and the national collections that own their work.

In the end, the decision is more cultural than fiscal, and needs to be taken away from the cinema industry. What we need in the UK is a specialist laboratory for conservation-quality 16mm and 35mm prints, possibly affiliated to the BFI. This needs to happen quickly, before the equipment, technology and experience is irreparably dismantled, and Deluxe must help with this. In the meantime, I will look to the last remaining labs in Europe to print my 16mm films

L'exposition, sa forme, sa durée, son don : Sol LeWitt à Mass Moca

Sol LeWitt:
A Wall Drawing
Retrospective

Now on view through 2033

View the Drawings by Grid
View the Drawings by Floorplan
Watch timelapses of the Drawings
Learn more about the retrospective

Download the audio tour

Intriguant, non? Il s'agit d'une rétrospective de 105 walldrawings de Sol LeWitt, qui a commencé en 2008, un an après la mort de l'artiste et se terminera dans 22 ans. Ca se passe à Mass Moca, dans le Massachussetts. Des murs ont été spécialement construits sur trois étages, pour que des équipes d'artistes et d'étudiants (65 au total) exécutent les "desseins", en l'occurrence chacune des instructions ou diagrammes relatifs à chaque dessin mural. Voici la page du MassMoca http://www.massmoca.org/lewitt/

où on peut trouver plusieurs modes de visite virtuelles.

Cet hiver, l'excellente revue Cabinet a initié, dans son espace d'exposition de Brooklyn en même temps qu'au Mass Moca, une exposition d'échanges (An Exchange With Sol LeWitt). C'était en effet une particularité de LeWitt, que d'échanger des travaux, d'abord avec ses collègues-gardiens au MoMA, tels Mangold, Ryman, Lucy Lippard ou Flavin (ce fut, ultérieurement, la création  de Printed Matter), comme avec ses proches, Eva Hesse ou Hanne Darboven. Une collection de 3000 oeuvres a résulté de ces échanges, qui n'ont jamais cessé pour ceux ou celles qui en faisaient simplement la demande à LeWitt. Regine Basha, la curatrice de cette double exposition, a donc joué les prolongations publiant un appel qui lui a valu mille envois de partout dans le monde. Y compris l'anagramme envoyé par Lucy Lippard: “LOSS but still LOL from SLO LL"

http://www.cabinetmagazine.org/events/lewitt.php

http://www.massmoca.org/event_details.php?id=582

L'Hexagone a brûlé à 14h

Claire Fontaine, France (burnt/unburnt), 2011, chez Air de Paris.

Performance de Mika Tajima à la New Galerie

Séminaire "Something You Should Know" : 23 fevrier, Moser &Schwinger

ÉCOLE DES HAUTES ÉTUDES EN SCIENCES SOCIALES (Cespra)
FONDATION MAISON DES SCIENCES DE L’HOMME

SOMETHING YOU SHOULD KNOW: ARTISTES ET PRODUCTEURS AUJOURD'HUI

Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici, Hans-Ulrich Obrist et Natasa Petresin-Bachelez


Mercredi 23 février à 19H
FREDERIC MOSER & PHILIPPE SCHWINGER


De 19H à 21H, À LA MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006
(métro Odéon ou Saint – Michel)


Frédéric Moser et Philippe Schwinger – nés respectivement en 1966 et 1961 à Saint-Imier, en Suisse, vivent et travaillent à Berlin. Ils exposent actuellement à Bétonsalon, Paris (sous le titre : « Ce dont on sera dans l’avenir capable », jusqu’en avril 2011)

Dans l’introduction de son entretien avec les artistes (éditée dans le journal de Bétonsalon), Clara Schulmann signale que les films de Moser & Schwinger fonctionnent comme des espaces d’expérimentation. Tout en variant les méthodes de travail à l’invitation des puissances exposantes, leurs travaux croisent les conflits, les histoires et les rapports de force de notre contemporanéité avec des événements historiques et aussi avec leur « reprise », elle aussi historique, par le biais du cinéma de fiction, du documentaire ou du théâtre. « Un travail de reconstitution qui (…) n’a pas pour but de revenir dans le passé mais de commenter le présent, ses contradictions, ses ambivalences. »

Ainsi, par exemple, Capitulation Project (2003), réalisé durant l’invasion de l’Irak par l’armée américaine, est inspiré d’une performance de 1971, Commune, du Performance Group de New York, abordant le massacre du village vietnamien de My Lai le 16 mars 1968 par les soldats américains. Pour la visionner, les spectateurs/trices prenaient place sur la structure de bois qui avait tenu lieu de plateau pour le film. De sorte que l’espace d’exposition, loin de la « black box », convoque à nouveau « sans remplir totalement leurs conditions » (M&S) les modalités du cinéma et du théâtre, dont ils sont issus d’ailleurs : ils ont co-dirigé, entre 1988 et 1991 la compagnie théâtrale « l’atelier ici et maintenant », à Lausanne avant d’entreprendre des études d’art à l’école supérieure d’art visuel de Genève (avec Sylvie Defraoui, jusqu’en 1998).

De même, Letter to the Swiss Workers (2006), interroge, à partir de Lénine et de sa « Lettre d’adieu aux travailleurs suisses », (1917), la question des utopies sociales au travers de la micro-société d’un village allemand du XXIe siècle. Unexpected Rules (2004) et Time Flies (2006) traitent de « l’affaire Monika Lewinsky-Bill Clinton »…Pour l’exposition en cours de Moser & Schwinger, c’est «France/tours/détours/deux/enfants »le feuilleton réalisé pour la télévision par Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville (1978) qui a servi de référent à une série de plusieurs épisodes intitulée France, détours, dont deux ont été réalisés et sont présentés.

En concevant pour chaque projet une esthétique en relation avec leur sujet, allant du 35 mm à la vidéo légère, travaillant aussi bien avec des non-professionnels qu’avec des acteurs expérimentés, changeant à chaque fois de lieu de tournage et de méthode de production, de pays et de langue, Moser & Schwinger mettent en place un dispositif fictionnel, qui doit se prolonger dans l’espace d’exposition, par des dispositifs scéniques ou des installations raccordant l’espace projeté à l’espace de projection.

Moser & Schwinger ont reçu le prix « Swiss Art Award » 3 années consécutives, en 1998, 1999 et 2000, et le prix « Providentia YoungArt » en 2000.
Résidents de l’Académie Schloss Solitude en 2001, puis de l’Office Fédéral de la culture Suisse à Berlin, ils ont également été résidents du Centre d’art contemporain Ujazdowski à Varsovie. Ils ont représenté la Suisse en 2004 à la Biennale de de São Paulo. Ils ont exposé au Mamco de Genève (2008), à la galerie Jocelyn Wolff/KOW (2009), au Printemps de Septembre (2009), à la Generali Foundation, Vienne, et au FRAC PACA (2010).



Bibliographie
Clara Schulmann, Fictions politiques : tout va bien chez Philippe Schwinger et Frédéric Moser, Particules N° 25, juin- juillet-août 2009
Cédric SCHOENWALD et Frédéric WECKER., Les versions des faits, Art 21, No 17, printemps 2008
Frédéric Moser Philippe Schwinger : Unexpected Rules. Berne Revolver & Archiv für aktuelle Kunst, Frankfurt a M., 2004.
Frédéric Moser Philippe Schwinger, Centre PasquArt, Biel, 2004.
Moser Frédéric, Affection riposte : über einige Treulosigkeiten, In : Kunst und Medialtät, [Febel Gisela, Jean-Baptiste Joly, Gerhart Schröder], Akademie Schloss Solitude, 2004.

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Grrrand succès de Lynda Benglis au New Museum

cf. New York Times:
http://www.nytimes.com/2011/02/18/arts/design/18benglis.html?_r=1&pagewanted=1%3E_r=1&ref=art

cf Post Le beau vice : http://le-beau-vice.blogspot.com/2010/05/linfameuse-lynda-benglis-deplace-les.html

Nouvelles mochetés parisiennes (192): le no woman's land du 13è arrondissement

Repéré, samedi, dans une visite d'un 13è aussi désert que Birmingham (Alabama), ce panneau d'affichage pour la prochaine opération immobilière dévastatrice. Celle-ci va sévir au delà de la halle ferroviaire de Freycinet (classée). L'architecture future de Rudy Riciotti promet- stupeur!- une "ambiance Indiana Jones" (voir la projection du machin ci-dessus, ainsi que sur la photo n°2 du post). Voilà qui devrait faire exploser le baromètre des nouvelles mochetés parisiennes recueillies par LBV.
A comparer avec la photo grillagée de la réalité des lieux actuels.
Deuxio, on n'a pas pu s'empêcher de photographier nuitamment les charmants grillages aux barres en jeunes pousses irrégulières, également repérés dans le 13è arrondissement de Paris, rue Hélène Brion.
On croit rêver.

Caillebotte vs Renoir: paris muséaux pour le Superbowl (et un Renoir de perdu)

Ce n'est pas la première fois que des musées américains engagent une des oeuvres d'art de leur collection dans les paris florissant aussi divers que nombreux pour le Superbowl. L'an dernier, c'était le New Orleans Museum of Art et l'Indianapolis Museum of Art qui avaient commencé et ce dernier avait donc prêté à la Nouvelle Orléans ( l'équipe d'Indianapolis avait perdu) un tableau important de Turner.

Cette année, ce fut le tour du Milwaukee Museum of Art, qui a parié son Caillebotte, "Périssoires sur l'Yerres", 1877, contre le Renoir "Baigneuses au Crabe", 1890-99, du musée Carnegie de Pittsburgh.

L'équipe des Packers (de Green Bay, Milwaukee étant la ville la plus proche possédant un musée d'art) a remporté le Superbowl par 31 à 25 sur les Steelers de Pittsburgh. Le Caillebotte restera dans son musée -et c'est tant mieux, les guides en étaient tout/e/s ébouriffé/e/s de peur de perdre un tableau qualifié de "rare". Quant au Renoir, "tardif, le Renoir que tout le monde aime, toutes ces jolies demoiselles bien roses" selon la directrice du Carnegie Lynn Zelevansky, il ne sera finalement absent que 3 mois, le temps d'un prêt au musée rival.

Séminaire avec Bouchra Khalili mercredi 9 février EHESS.

ECOLE DES HAUTES ÉTUDES EN SCIENCES SOCIALES

FONDATION MAISON DES SCIENCES DE L’HOMME

SOMETHING YOU SHOULD KNOW: ARTISTES ET PRODUCTEURS AUJOURD'HUI

Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici, Hans-Ulrich Obrist et Natasa Petresin-Bachelez


Mercredi 9 février à 19h

BOUCHRA KHALILI

De 19H à 21H, À LA MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006
(métro Odéon ou Saint – Michel)


Bouchra Khalili est une artiste Marocaine, née à Casablanca, en 1975. Élevée entre la France et le Maroc, elle vit et travaille à Paris. Elle a étudié le cinéma à la Sorbonne Nouvelle, et est diplômée de l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy.

Le travail de Bouchra Khalili, essentiellement en vidéo - monobandes et installations - explore les trajets migratoires contemporains, les zones frontalières, et les existences clandestines. Elle interroge la notion de géographie alternative lorsqu'elle est produite par l'errance, à travers la confrontation entre des récits et des territoires, lui permettant ainsi de
mettre à jour la géographie invisible de la clandestinité et des zones de transit. Mais c'est précisément cela qui lui permet d'expérimenter " l''exil, l'immigration et la traversée des frontières comme des expériences qui peuvent nous fournir de nouvelles formes narratives. "(Edward Saïd, Réflexions sur l'exil).

Depuis 2002, son travail est exposé dans de nombreuses institutions en France et à l'étranger, dont récemment à La Biennale de Liverpool (2010) ; au Studio Museum à New York (2010) ; au Musée d'Art Contemporain de Détroit
(USA, 2010) ; à INIVA, Londres (2010) ; à la Gallery 44, Toronto (2010) ; à la Seconde Biennale de Thessalonique (2009) ; au Musée National Reina Sofia à Madrid (2009) ; au Queens Museum of Art à New York (2009), et à la Biennale de Bamako (2009), parmi d'autres. Elle a été aussi lauréate de plusieurs prix, bourses, et résidences, dont La Bourse Louis Lumière-Villa Médicis Hors les Murs (Ministère des Affaires Étrangères, 2005), Le Fonds Image/Mouvement (Centre National des Arts Plastiques, 2007), Le Prix VideoBrasil Residency Award (2009), le Programme CulturesFrance Hors les Murs (2010). Story Mapping, sa première monographie, est parue à l'automne 2010 (Bureau des Compétences et Désirs/Presses du Réel).

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Bouchra Khalili was born in Casablanca (1975), and raised between France and Morocco. She studied cinema at the Sorbonne Nouvelle and Visual Arts at the Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy. She currently lives and
works in Paris.

In her video work (both single channel videos and installations), she combines a conceptual approach with a documentary practice to explore issues of nomadism and clandestine existence, via a specific regard toward the destiny of migrants, in that they concretely epitomize subjects that are fundamentally governed by itinerancy.

Her work has been shown extensively around the world, including recently at The Liverpool Biennial (2010) ; The Studio Museum, New York (2010) ; The Museum of Contemporary Art, Detroit (2010) ; INIVA, London (2010) ; Gallery 44, Toronto (2010) ; The 2nd Thessaloniki Biennial (2009) ; The  Reina Sofia National Museum, Madrid (2009) ; The Queens Museum of Art, New York (2009), among others.

She also has received several prestigious awards, including Cultures France Hors Les Murs Award in 2010.  Her first monograph entitled Story Mapping was published in the fall of 2010 (Bureau des Compétences et Désirs/Presses du Réel).

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Keersmaeker, Rainer, Warlikowski

Fin de semaine crescendo, avec les spectacles de Kersmaeker (vendredi), Yvonne Rainer (Xtra, samedi) et de Warlikowski (fabuleux, formidable, dimanche) on y revient dès qu'on arrive à importer le troisième extrait de Maria Schneider sur ce blog...

Straub-Huillet , Egypte 1981, Tate Modern

A Reflection on Revolution in Egypt
Straub / Huillet: Too Early, Too Late
Saturday 12 February 2011, 19.00
Tate Modern, Starr Auditorium



A Reflection on Revolution in Egypt:
Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, Too Early, Too Late (Trop tôt, trop tard)
Momentous events have been unfolding in the Middle East, pressing for meaningful ways to engage with what is happening in Egypt. As instantaneous newsfeeds pull us in different directions, there is a need to counter the speed of media coverage overwhelming our present. This event features a screening of the rarely seen film Too Early, Too Late (Trop tôt, trop tard) by Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, as a means to open up and reflect on the current moment. It will also include voices of artists and curators speaking from Egypt.

Shot in the summer of 1980 in France and spring of 1981 in Egypt, Too Early, Too Late (Trop tôt, trop tard) investigates the changing relationship between people, land and society within successful and failed revolutions in both countries. The formal and structural basis for the film consists of two texts: a letter sent by Friedrich Engels to his disciple Karl Kautsky, and Mahmoud Hussein’s Class Struggles in Egypt (1969, Maspero Editions). The latter is a historical account of the squashed Egyptian revolts prior to Naguib’s revolution of 1952, narrated as a voice-over of footage of the specific places where the uprisings occurred.

What emerges is a document that functions as a history of Marxist thought, a contemplative landscape film and a potent commentary on Egyptian society. Danièle Huillet and Jean-Marie Straub’s films are concerned with the politics of place and its topography, tackled through film-making as a structural medium: Trop tôt, trop tard starts with an 8 minute shot filmed from a moving car circling the Place de la Bastille in Paris; a visually constructed argument on revolution through the repeated revolutions of a camera.

The screening will be introduced by artists Céline Condorelli and Uriel Orlow, and will be followed by a conversation with Bassam El Baroni and Mahmoud Khaled from Alexandria Contemporary Arts Forum (ACAF) speaking from Egypt, and an open discussion with the audience.

With kind support from the BFI.
Danièle Huillet and Jean-Marie Straub
Too Early, Too Late (Trop tôt, trop tard)
Germany / France / Egypt 1981, 16mm, 105 minutes

Camera: William Lubtchansky, Caroline Champetier (in France); Robert Alazraki, Marguerite Perlado (in Egypt)
Sound: Louis Hochet, Manfred Blank
Voice over: Danièle Huillet (part A), Bhagat el Nadi (part B)
Production: Straub-Huillet

.....................................

Free, first-come, first-served, no booking required

Tate Modern Starr Auditorium
Bankside, London, SE1 9TG
Nearest Tube: Southwark / London Bridge
www.tate.org.uk/modern/film

Maria Schneider, in Sois Belle et Tais Toi, de Delphine Seyrig, 1976. extrait 1

Tous nos remerciements au Centre audiovisuel Simone de Beauvoir, Paris.
Le centre a "carte blanche" au Centre Pompidou, dans le cadre de Video et Après, lundi 7 février à 19h.

Maria Schneider in Een Vrouw als Eva. BYE MARIA...

A lire, le papier de Philippe Azoury paru dans Libération (24 mars 2001) au moment du festival de films de femmes de Créteil, qui lui rendait hommage.
Et à revoir absolument, l'apparition incroyablement douloureuse et lucide de Maria Schneider dans le film de Delphine Seyrig, "Sois belle et tais-toi".

Hommage à Edouard Glissant

a
Sur France-Cul, journée d'hommages demain vendredi 4 février avec notamment la rediffusion de Hors champs avec Glissant interviewé par Laure Adler (3 décembre 2010). 
Nous nous rappelons avec émotion la "Journée Edouard Glissant" organisée, sous la houlette d'Alain Ménil, à l"INHA le 20 janvier 2007.




  s avec Edouard Glissant, interviewé par Laure Adler (1ère diffusion le 3 décembre 2010
Nous nous rappelons avec émotion la "Journée Edouard Glissant" organisée à l'INHA le 20 janvier 2007, notamment grâce à Alain Ménil. 

Recel chez Wildenstein

On les croyait intouchables et les hypothèses sur l'histoire de la galerie Wildenstein durant l'Occupation allemande, ainsi que les questions, plus récentes, posées par l'édition de catalogues raisonnés dont les experts étaient financés par la galerie, propriétaire des oeuvres des artistes catalogués, étaient relativement restés dans l'ombre. Or, voilà que "les héritiers Wildenstein, déjà accusés "d'abus de biens et de blanchiement" dans le cadre de la succession du patriarche Daniel Wildenstein, en 2001, sont désormais soupçonnés de recel", comme l'annonce le Point.fr., qui continue: 
"Une mauvaise nouvelle pour Guy, chef de file de la famille et représentant UMP au sein de l'Assemblée des français de l'étranger, proche de Sarkozy. Les 11 et 12 janvier derniers, lorsque les policiers ont débarqué à l'Institut Wildenstein, ils ont foncé droit vers la salle des coffres et ont demandé à y avoir accès (...) Au milieu de ce capharnaüm: une trentaine d'oeuvres déclarées disparues ou volées, que les enquêteurs ont immédiatement saisies (...)
Lors d'une première perquisition le 17 novembre, les enquêteurs s'étaient contentés de photographier les oeuvres du coffre dans le cadre d'un inventaire. Stupéfaction, après examen des clichés, ils repèrent plusieurs oeuvres d'origine douteuse. De fil en aiguille, les policiers s'intéressent à l'huile de Berthe Morisot; Cette toile, évaluée à 800 000 euros, avait disparu lors de la succession en 1993 d'Anne-Marie Rouart" (un certain nombre d'autres pièces, apparemment soustraites à la succession, auraient été retrouvées dans le coffre suisse d'Olivier Daulte, co-exécuteur testamentaire avec Guy Wildenstein)
Par ailleurs "dans le coffre, les policiers ont retrouvé plusieurs bronzes de Bugatti et deux dessins de Degas qui appartiendraient aux descendants de Joseph Reinach, un député de la IIIè république célèbre pour avoir défendu la cause de Dreyfus."
Article complet sur Le Point.fr 
http://www.lepoint.fr/economie/trente-oeuvres-disparues-ou-volees-saisies-a-l-institut-wildenstein-01-02-2011-133833_28.php
et un dossier complet dans l'édition du 3 février. 

le lancement de Google Art Project

Google art project est arrivé ce matin, en ouvrant l'ordinateur : la visite virtuelle du MoMA, du Reina Sofia, de la Tate Britain ou du musée de l'Ermitage...Et la fabrication de sa propre collection à partir des oeuvres cliquées et sauvées. On l'expérimente et on en parle?